A Ebbing, nel Missouri, una donna ha perso la figlia adolescente in un misterioso ed efferatissimo omicidio (la ragazza è stata anche stuprata): decide dunque di affittare tre cartelli lungo una vecchia strada, per affiggere manifesti nei quali chiede spiegazioni alla polizia, sollecitandola a fare il proprio dovere. Il fatto scatenerà un’incredibile sequela di eventi.
Solitamente un film dovrebbe avere una tematica forte da raccontare, presentarci quantomeno una sua specifica morale. Tre Manifesti A Ebbing, Missouri, invece, vive più che altro di atmosfere, esattamente come un precedente del regista-sceneggiatore Martin McDonagh, In Bruges – La Coscienza Dell’Assassino (2008): lì a farla da padrona era la città di Bruges, immortalata in una macchia di umido grigio, che impregnava di malinconia esistenziale i suoi sporchi protagonisti (due assassini sicari).
Anche stavolta, seppure si tratti di un posto completamente diverso, McDonagh è riuscito a fare dei suoi personaggi un prolungamento ideale dell’ambiente in cui si muovono: tanto rustica e spoglia è l’area di Ebbing, quanto ruvidi sono i lineamenti e le movenze di questi suoi nuovi protagonisti. E, nuovamente, il regista-sceneggiatore si va ad occupare di persone la cui etica è quantomeno discutibile e alterna, riuscendo però nell’intento di farci empatizzare quanto basta per non smettere di credere alle loro vite.
Perché Mildred (una caustica Frances McDormand) non è solo una donna diretta e decisa che ha subito un terribile trauma: è anche una potenziale criminale, una che non si fa troppi problemi a lanciare molotov sulla stazione di polizia per vendicare un anonimo torto subito. Perché Jason Dixon (un bolso Sam Rockwell, echeggiante il Christian Bale di The Fighter) non è solo un bastardo ubriacone mezzo ritardato dalla personalità omofoba e razzista, ma anche un bambinone spaventato dalla vita capace di svoltare e mostrare finalmente un minimo di quella maturità che (probabilmente) è soffocata dalla convivenza con la madre. Perché lo sceriffo Willoughby (un immenso ed intenso Woody Harrelson, probabilmente il migliore dell’intero cast) non è solo un pacato uomo di provincia dalle maniera semplici e rozze, ma anche un lucidissimo e surreale poeta, capace di porre fine alla propria vita con una brutale delicatezza che ti fa commuovere anche il pancreas.
In questa galleria di personaggi quasi “bipolari”, è perfino giusto (azzardo) che ci siano scene più deboli, più stupide: è il caso dell’assurdo passaggio netto tra la delicatezza di una Chiquitita degli ABBA e la notizia devastante della morte di Willoughby, così come l’inutilità delle scene in cui sono presenti i personaggi di Lucas Hedges (il figlio di Mildred, assolutamente superfluo sotto ogni punto di vista) e di John Hawkes (l’ex-marito di Mildred, se possibile ancora meno utile del figlio). È giusto, perché l’ambiente di Ebbing è compresso tra leggerezza malinconica, aspra violenza e sardonica ironia, ma è soprattutto un luogo assolutamente marginale, dove gli stessi telegiornali sembrano avere risonanza solo all’interno dei microscopici confini cittadini.
Ma forse Tre Manifesti A Ebbing, Missouri è soprattutto un film sulla rabbia, sulla necessità di controllare le proprie iraconde pulsioni per non ritrovarsi, improvvisamente, dalla parte del torto: la frase della giovane compagna di John Hawkes (che posto in MOVIEQUOTE) sembra molto esplicita al riguardo. E allora ecco che torna, una volta di più, l’ambiente di Ebbing a chiudere su una nota ambigua il finale. Mildred e Dixon, infatti, scoprono la residenza di uno stupratore e partono per andare ad ucciderlo, ma durante il tragitto sembrano avere un ripensamento: tuttavia non interrompono la propria marcia, ma proseguono con una strana felicità chiosando “ci penseremo strada facendo”. Perché alla fine è nella loro natura, nella natura di Ebbing, essere carichi di rabbia e, forse, nessuna maturazione sarà mai sufficiente a cambiare le cose.
MOVIEQUOTE
La rabbia genera solamente altra rabbia.
Thomas Vinterberg non riesce assolutamente a ripetere i fasti de Il Sospetto (con il quale si piazzò alla #2 nella Stagione 2012/2013) con questo suo nuovo La Comune: una buona parte dei personaggi presentati, infatti, non viene minimaente approfondita, e il concetto di “comune” introdotto fin dal titolo non entra praticamente mai in gioco (o comunque non in maniera cruciale) all’interno della pellicola. Una mancata occasione per un’altra diabolicissima indagine sociale, alle quali il regista danese ci ha abituati.
Il sequel del sequel del sequel del sequel (eccetera) di Rocky è veramente prevedibile e scontato: a questo si aggiunga che il personaggio principale manca di una forte motivazione per intraprendere una carriera nel pugilato, ed un personaggio femminile che è un’occasione mancata per dare spessore anche alle donne in questo tipo di film. Ma quando la frittata sembra fatta, la pellicola viene sorprendentemente salvata dall’insufficienza dal Sylvester Stallone che non ti aspetti, malinconico e toccante al punto giusto – senza eccessi.
La vera storia di Laurel Hester (poliziotta lesbica che riuscì ad ottenere il lascito dei benefit pensionistici alla propria compagna) è la base di una pellicola purtroppo insufficientemente approfondita: viene dato troppo spazio alla nascita della storia d’amore (spazio peraltro mal gestito a livello temporale), e così si perde la possibilità di dare più peso alla sezione drammatica – che risulta invece un reiterarsi di scenette giudiziarie strappalacrime e prevedibili. Si poteva fare molto di più.
Fuocoammare di Gianfranco Rosi rappresenta perfettamente ciò che non voglio vedere in una pellicola che tratta di realtà: un realismo esasperato, patetico e fine a sé stesso. Il debole (a tratti incomprensibile) viaggio di formazione del piccolo Samuele, le prediche del dottore e i momenti assurdi che coinvolgono la radio locale, non hanno un decimo della poesia e dell’efficacia di un Terraferma (per prendere un film che trattava di una storia molto simile). Peccato, perché alcune sequenze suggestive ci sono (la scena dei cactus/immigrati), ma da sole non bastano a portare la pellicola ai piani alti.
Purtroppo la saga di Hunger Games si chiude sul suo punto più basso: la seconda parte de Il Canto Della Rivolta – nonostante alcune sequenze davvero ben riuscite (lo scontro nelle fogne) – si scorda di approfondire in maniera efficace i personaggi (è emblematico Peeta, il quale si libera troppo facilmente del giogo di Capitol City) e fa finire la vicenda su immagini melense alla Mulino Bianco. Peccato davvero.
Woody fa sé stesso per la milionesima volta, tentando un improbabile mix di Whatever Works e Match Point: il risultato non è poi malvagio, ma anche per i non-appassionati dello zoccolo duro come me le scelte narrative e tematiche risulteranno estremamente “già sentite”; a questo si aggiunga un finale sin troppo velocizzato rispetto al ritmo della restante pellicola, e un monologo conclusivo di 20 secondi che credo sia stato scritto durante una seduta al cesso, ed ecco spiegata la posizione non esaltante.
Niente da fare anche per David O. Russell: non che il ragazzo mi abbia mai davvero esaltato, ma perlomeno i suoi precedenti film erano prodotti “medi” ben congegnati, e sempre impeccabili dal punto di vista della direzione attoriale. Invece Joy è una pseudo-favola alla Frank Capra scritta in seguito ad un’overdose di miele, con tanti buchi/brutture di sceneggiatura e personaggi poco approfonditi, nella quale spicca solo la figura pseudo-titanica Jennifer Lawrence (mentre gli altri grandi del cast – De Niro, Cooper, Ladd, Rossellini – vengono abbandonati ai loro brutti characters).
La pellicola che segna il ritorno di Shane Black è – sulla falsariga del suo ben più cult Arma Letale – un’action comedy molto carina, dal grande ritmo e dalle gag spesso e volentieri azzeccate. Si passa una serata in leggerezza, ma forse anche troppo: alcune questioni “psicologiche” dei personaggi rimangono in sospeso (che ci sia un sequel in cantiere?), ed in generale non si punta davvero a creare un film di spessore o valore. Bene, dunque, che simili lavori vengano lasciati più in basso, rispetto a pellicole che provano a dire qualcosa.
Un altro dei miei autori del cuore (Paolo Virzì) firma – ahimè – un film bruttino, dove ad una trama evanescente si aggiungono due personaggi che non sono ben definiti (nonostante la valida performance delle interpreti che li incarnano). A questo si aggiunga una strana indecisione di tono – un film realistico e desolante con punte di fiabesco, che nel finale evolve direttamente in una irrealistica favola spiazzando lo spettatore – e si ottiene una pellicola che non ha la potenza e la solidità di una Prima Cosa Bella.
La pellicola di Gaudino è uno strano incrocio di grottesco ed iperrealismo, che a tratti (brevi) funziona, a tratti (lunghissimi) sdubbia parecchio. La vicenda in sé, poi, è stranamente articolata: a quella che sembra una semplice storia di depressione e recupero della propria vita/felicità, si aggiunge ad un certo punto una sottotrama di stampo mafioso che non è completamente armonica con la prima. Insomma, una pellicola davvero bizzarra, che non eccelle ma non lascia neanche indifferenti/schifati.
Esattamente come Woody Allen anche Steven Spielberg si “limita” a fare sé stesso. Il Ponte Delle Spie è film di intrattenimento stelle e strisce al 1000%, con una sceneggiatura ed una regia solidissime ma una generale inconsistenza nell’approfondimento dei personaggi. Unica eccezione (e al contempo rammarico) è il personaggio incarnato da Mark Rylance, una spia sovietica molto sotto le righe (quasi silenziosa) scritta dai geniali fratellini Coen: ma rimane l’unico evidente lampo di un guizzo in più, che invece generalmente manca all’ultima fatica di Spielberg.
Cinemalato 