Ed ecco il momento più importante, la conclusione del Classificone Stagionale: superati gli olezzi laidi del “Fondo Del Barile” e le mediocrità della “Panca“, rifancendoci gli occhi a partire dalle prime 17 posizioni della Top20 (“Parte Bassa” e “Parte Alta“), siamo infine arrivati alla creme della creme Stagionale: il Podio Cinematografico del 2014/2015, i 3 titoli che si sono meritati la vetta più elevata della mia personale Classifica, conquistandosi rispettivamente il bronzo, l’argento e l’oro del Cinemalato! Come sempre vi invito a leggere le recensioni, che potrete leggere semplicemente cliccando sul titolo della pellicola.
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3) Youth – La Giovinezza, di Paolo Sorrentino (2015)
Dopo l’improbabile This Must Be The Place, Paolo Sorrentino si è fortunatamente ripreso alla grande: La Grande Bellezza era poesia del complesso (risultando talvolta criptica), là dove questo Youth – La Giovinezza si fa poesia del semplice (riuscendo tuttavia ad evitare il sempre fastidioso didascalismo di certe produzioni a stelle e strisce). Complice un cast stellare, perfettamente selezionato, e la solita elegante regia del nostro autore di punta al giorno d’oggi, questa vicenda fatta di emozioni e vite che tramontano nell’inedia (non solo un tramonto biologico, ma talvolta anche mentale – si veda il personaggio di Paul Dano) coinvolge e fa pensare. Al futuro, al passato, ma soprattutto al presente: da vivere nella semplicità di una vita straordinaria, che non è mai scontata o avvilente – persino nelle difficoltà o nei momenti più oscuri (morte compresa).
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2) Mad Max – Fury Road, di George Miller (2015)
Che il sottoscritto non ami il cinema d’Azione non è certo un mistero (basti pensare che non mi sono ancora degnato di recuperare alcun film della saga di James Bond, eccezion fatta per Skyfall). Mad Max – Fury Road, tuttavia, è tutto ciò che il genere non è più da tempo, e che dovrebbe invece sempre essere: puro spettacolo di libido e adrenalina pompanti nelle vene, realizzato seguendo creatività e fantasia degne di un Meliès (che forse non a caso condivide il proprio nome con quello di George Miller), e senza dimenticare che in ogni film che si rispetti ci deve essere una trama dotata di una minima logica ed intelligenza. Il quarto capitolo della saga del furioso Max (anche se chiamarla saga è abbastanza esagerato, visto il grande/totale scollegamento dei 4 episodi l’uno rispetto all’altro) supera di gran lunga gli originali, regalando a molti sboroncelli hollywodiani (Michael Bay e “figli”) una lezione di Cinema da guardare e riguardare ad infinitum.
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1) Interstellar, di Christopher Nolan (2014)
Sapevo che Christopher non poteva farmi questo. Lo sapevo che non poteva deludermi per la seconda volta consecutiva dopo il blandissimo (ad essere generosi) Il Cavaliere Oscuro – Il Ritorno. Eppure non ho potuto non tremare al momento di entrare in sala per la visione di Interstellar: ma subito, il tremito di paura e tensione è stato sostituito dai brividi di emozione che l’opera #9 di Christopher “Dio” Nolan ha saputo farmi vivere. La solita sceneggiatura centellinata alla perfezione (fatta eccezione, forse, per gli ultimi 5-10 minuti un po’ “americani), la solita spettacolare regia da sapiente manovale di blockbuster, stavolta si è andata ad unire ad una tematica meno cervellotica e più emotiva, che la penna dello sceneggiatore ha saputo condensare nella perfetta parafrasi fantascientifica della dantesca L’Amor che move il sole e l’altre stelle. E se il Poeta medievale intendeva Dio con la parola “Amor”, Nolan porta invece il termine in piena epoca umanistica, nello spettacolare e quasi impossibile viaggio di un padre e di una figlia attraverso tempo, spazio, vita e morte. Ricordandoci, una volta di più, di quanto Dark Kinght Rises sia stato un inciampo isolato, e di chi sia il vero “Dio” in questo meraviglioso Interstellar.
Costanzo prosegue il suo ottimo cammino di Figlio D’Arte Meritevole (FDAM, categoria da me inventata in cui rientrano – tra gli altri – Sofia Coppola e Jason Reitman) con un’altra pellicola potente e grottesca su una coppia e il loro piccolo neonato. Un tantino ripetitiva forse (perlomeno, la parte centrale allomba un po’), e non perfetta nella gestione dei rapporti di coppia (il marito, sull’orlo della separazione, rimane con la moglie per un altro paio di sequenze senza una vera motivazione), ma niente di così grave: bello il finale, anche se un po’ telefonato, e bravissimi gli attori.
Garrone si getta in una “pazzia Italiana”, un fantasy medievaleggiante tratto dal folkloristico Cunto De Li Cunti: è un film senza una vera tematica, senza un messaggio forte, ma dall’innegabile fascino estetico e narrativo (le vicende sono perfettamente raccontate e giostrate l’una rispetto all’altra), e da ammirare per la volontà di fare qualcosa di diverso dagli usuali e “iperrealistici” canoni patrii.
Il grande sconfitto della notte degli Oscar. Boyhood è un film senza genere, che racconta in maniera estremamente semplice e realistica uno spaccato di vita, adottando l’intelligente escamotage di utilizzare gli stessi attori nel corso di 12 anni di riprese per ottenere un effetto ancora più realistico. “Trucchetti” a parte, la pellicola di Linklater sa effettivamente parlare un linguaggio universale e commovente, raccontando una vita comune e poeticissima nella sua ordinarietà e nella sua assenza di momenti salienti (che, appunto, appartengono al Cinema, e non alla Vita).
Al suo esordio come regista, Dan Gilroy ci regala uno dei personaggi più belli ed intensi del decennio cinematografico in corso: partendo in sordina, e rivelandoci passo dopo passo i suoi tratti e le sue convinzioni, Lo Sciacallo ci parla del moderno mastro-don Gesualdo, l’arrivista Lou, interpretato da un Jake Gyllenhaal da Oscar (come lo era il Tom Hardy di Locke, film della scorsa Stagione con cui Nightcrawler condivide molto). Tra atmosfere cupe e grottesche, tra un colpo di scena e l’altro, Dan Gilroy confeziona un’opera prima da incorniciare, con pochissimi momenti piatti o noiosi.
Il trionfatore degli annuali Premi Oscar, che ahimè non ho avuto voglia di commentare come usualmente faccio, è sicuramente il miglior film tra tutti quelli girati da Inarritu: dotato di una sceneggiatura pressochè perfetta, animato da un cast in grado di dare anima ai bellissimi personaggi che popolano la vicenda (tra cui spiccano i quasi-dimenticati Keaton e Norton e la bellissima/tristissima Stone), giocato quasi interamente sul registro della commedia – la commedia intelligente, leggera ma intensa, divertente ma commovente, capace di far riflettere tra una risata ed un sorriso malinconico. Peccato solo per quei 20-30 minuti finali: certo non tragici, ma di una pesantezza che cozza con tutto il resto della pellicola, e troppo incentrati sul singolo personaggio rispetto al meraviglioso respiro corale che fino allora avevamo vissuto.
La pellicola più sottovalutata e bistrattata della Stagione. Per motivazioni che davvero fatico a comprendere, L’Amore Bugiardo è stato stroncato da gran parte della critica professionale e/o amatoriale. Per quanto mi riguarda, la nuova opera di Fincher è anzitutto un grandissimo thriller dagli echi hitchcockiani, che gioca con il problema dell’identità quasi al livello del “Maestro del brivido”; in secundis, è un film che sa polemizzare con lo strapotere dei mass-media e il perbenismo/narcisismo di fondo della società moderna (usando sapientemente anche i personaggi secondari, per raggiungere tale scopo); infine, una devastante ed amara riflessione sulla vita di coppia ed i sentimenti, animata da un insolitamente efficace Ben Affleck ed una straordinaria Rosamund Pike.
Seppur non riesca a raggiungere le vette di 3 stagioni fa con la posizione #1, Bennett Miller ottiene un altro ottimo piazzamento in casa Cinemalato. Lo fa con un’altra pellicola sul mondo dello sport, granitica e commovente, ma dalle tinte più fosche e meno romantiche del precedente L’Arte Di Vincere – in parallelo con il passaggio dai “perdenti” ai “sottomessi”. Come in un lento gorgo grigio, Foxcatcher cattura lo spettatore quasi in sordina, senza dare grandi scossoni, ma raccontandoci di due esistenze tristi e desolanti, che neppure nell’incontro dell’una con l’altra sapranno trovare la pace e la realizzazione di sé.
A proposito di registi in picchiata totale, Tim Burton non fa – ahimè – eccezione. Certo, Big Eyes è già superiore ad Alice In Wonderland e Dark Shadow, ma non è che ci volesse poi molto: e se alcuni spunti potrebbero anche essere interessanti, l’atmosfera realistica, la trama a tratti affrettata e i personaggi macchietta rovinano ogni potenziale. Lana Del Rey, se non altro, ci regala un’altra bella canzone con la title-track della OST: magra consolazione.
The Giver – Il Mondo Di Jonas vince a mani basse il premio di “film peggio strutturato dell’anno”. Partendo da un interessante spunto di base, gli sceneggiatori sputtanano ogni potenziale del suddetto spunto, limitandosi a stiracchiarlo: il risultato è un film con buchi di trama pazzeschi, forzature micidiali e frettolosità immotivata. Che, combinato con le visioni-lezioni di Jonas (il trionfo del perbenismo e del radical-chic in HD, con Nelson Mandela che si alterna a tigri del Bengala come se non ci fosse un domani ad indicarci le bellezze del mondo), rende il tutto un discreto flop.
Già il Matrix numero 2, all’epoca, mi aveva mostrato un gigantesco passo indietro rispetto all’ormai cult capostipite, ma i fratelli Andy & Lana fanno anche di peggio: Jupiter è imbarazzante, da tanto è scritto con noncuranza, superficialità e confusione. La protagonista non ha una personalità chiara nè un obiettivo definito; la sua relazione con il lupacchiotto-Channing Tatum imbarazzante (e perchè mal sviluppata, e perchè ormai qualsiasi lupacchiotto mannaro mi rimembra Twilight); e la successione delle vicende e dei cattivi è ben poco felice (basti vedere la pateticamente facile risoluzione della seconda battaglia, poco prima del matrimonio di Jupiter). Insomma, un pastrocchio scritto con i piedi, a cui non basta l’impianto tecnico e il buon cast per redimersi.
Il buon Nanni nazionale, come altri registi già citati, prosegue il suo declino: dopo Habemus Papam, un’altra pellicola francamente evitabile. Là dove il film con Piccoli aveva un’idea originale male impegnata (soprattutto nel finale), qua abbiamo un’idea di fondo banalissima che a tratti rende (soprattutto grazie alla straordinaria Nonna di Giulia Lazzarini), a lunghissimi tratti annoia o lascia perplessi (il personaggio di Nanni Moretti fa davvero fatica a farsi apprezzare nell’economia del film).
Là dove il prequel del 2005 aveva una certa originalità visiva, accompagnata da una trama che (almeno per 2/3) possedeva un’ottima struttura e dei grandiosi personaggi da insta-cult, Sin City – Una Donna Per Cui Uccidere arriva dopo 9 anni a rovinare gran parte del ricordo legato all’originale. La tamarraggine insensata dell’ultimo episodio dell’originale diviene qui la chiave dominante, relegando la classe noir di “Bastardo Giallo” e la brutalità splatter dello scontro tra Kevin e Marv nell’angolo: fatto sta che l’orgia di poppe, erotismo e labbra infuocate non basta a creare una valida spina dorsale per le tre storie del film, che risulta stupido e di “serie B” (nella peggiore accezione possibile del termine).
Paul Thomas Anderson ci regala l’ennesimo film dalle alte velleità e dalla scarsa realizzazione: trama inesistente, personaggi macchietta, condite da un’ottima regia che crea belle atmosfere noir. Che il romanzo alla base sia confusionario non mi interessa: è dovere del regista fare un briciolo di chiarezza, e se la trama del romanzo è davvero così stupida ed inconsistente (sesso e droga a fiumi senza una motivazione, senza che un personaggio o uno snodo della trama siano davvero approfonditi/interessanti) non c’è bisogno di mantenersi fedele al cartaceo. Ma più probabilmente è il solito problema che si frappone fra me il buon PTA: apprezzo le sue atmosfere e le sue “visioni”, molto meno apprezzo le sue vicende/personaggi/momenti da radical-chic snob e intellettualoide.
Cinemalato 