Fred Ballinger, vecchio compositore di musica sinfonico-lirica ora in pensione, si trova in vacanza sulle Alpi svizzere: qui viene contattato da un emissario della regina d’Inghilterra, per eseguire le sue “canzoni semplici” di fronte alla corte, in occasione di una festa. Ma Fred rifiuta più volte: quelle canzoni ormai sono “passato”, solo sua moglie poteva cantarle e non c’è più. Ma non è solo Fred ad essere attanagliato dal passato: anche i suoi amici Mick (regista di vecchia data) e Jimmy (giovane attore intellettualoide), e la figlia Lena (appena separatasi da quello che sembrava dover diventare suo marito) sono nelle sue stesse condizioni.
Paolo Sorrentino è un regista che ho sempre adorato, fin dal nostro primo incontro – ormai remoto – con quel filmone che è Le Conseguenze Dell’Amore: il suo incedere lento ma elegante, il suo raccontare stati d’animo in maniera sottile e silenziosa, la bellezza delle sue immagini (sottolineata dalla fotografia del fedele Luca Bigazzi), mi hanno fin da subito conquistato. Il suo è un Cinema poetico, che – a volte – non si riesce neppure a comprendere a pieno (La Grande Bellezza è un film che si apre a così tante interpretazioni, che difficilmente si potrà essere certi del suo messaggio), ma lascia sempre un piacevole sensazione nel cuore e nel cervello.
Youth – La Giovinezza, tuttavia, mi ha parzialmente stupito. Per un motivo semplice – esattamente come le canzoni del nostro protagonista (uno straordinario Michael Caine): è forse il film più “prosaico” di Sorrentino. Non intendo, con questo, definirlo più banale nelle tematiche, nelle vicende o nelle immagini (basti vedere le magnifiche scene della piscina, o del pre-finale con Mick/Harvey Keitel e l’incontro con i suoi vecchi personaggi): ma il messaggio, stavolta, viene lasciato trasparire in maniera evidente, semplice e potente, senza alcuna sottigliezza o cripticità.
Sorrentino ci parla della forza delle emozioni, unico vero motore della nostra vita: “l’emozione è la cosa più potente”, dice Mick prima di uccidersi. Solo quell’emozione può scuotere i personaggi dal loro torpore: che sia rendersi conto di quanto stupido e supponente fosse il proprio punto di vista sul mondo, e decidere di voler raccontare l’entusiasmo, la vitalità dell’uomo e non più il suo negativo (Jimmy/Paul Dano – straordinario come sempre, attore sottovalutato come pochi); che sia abbandonarsi ad una relazione improbabile con uno pseudo-sconosciuto, e provare il brivido di una ripida scalata (fisica ed emotiva – Lena/Rachel Weisz, più bella che mai); che sia anche un’emozione negativa, che ti porta a capire come il tuo tempo sia ormai trascorso, ma che ti faccia anche ricordare quanto di potente e straordinario hai compiuto in precedenza (Mick). Tutto vale, ogni emozione è motore di vita o di morte: il resto è apatia, grigiore squallido.
E Youth è pura emozione: nelle sue meravigliose scene, marchio di fabbrica di Sorrentino; nella recitazione di un cast all-star perfetto; nelle piccole chicche che sanno spiazzarti (Maradona in primis, ma anche il piccolo violinista ammiratore di Ballinger o la bellissima Miss Universo); nella straordinaria colonna sonora (non solo la fenomenale Simple Song #3 che metto in MOVIEQUOTE, ma anche le due canzoni di Mark Kozalek – Onward e Ceiling Gazing – o il sempreverde David Byrne con Dirty Hair, e altre ancora).
Una perfetta commistione di semplicità e “grande bellezza” sorrentiniana, che difficilmente fallirà nel suo principale obiettivo: ricordarci quanto sia straordinario vivere e morire, sapendo emozionare e lasciarsi emozionare, senza rinnegare il passato ma senza neanche farsi inviluppare da esso nell’apatia. Perchè la fine sia sempre un applauso commosso e commovente, e non un ricordo invisibile che solo le tue mani sembrano sfiorare.
MOVIEQUOTE
Dall’Italia con furore, Tornatore torna (…) sui maxi-schermi con un thriller/romance dalle atmosfere (e ambientazioni) europee. Gran ritmo e ottima costruzione della vicenda (e dei personaggi), in grado di appassionare lo spettatore e anche di farlo (un minimo) riflettere sul valore dell’arte, ma anche sulla sua (a volte) incredibile ambiguità. Rush strepitoso, il resto del cast non è da meno: se non fosse che si perde un po’ nel finale, troppo lungo/telefonato, avrebbe potuto sperare in una piazza più alta.
Una pellicola di un vuoto allucinante, perfetta per parlare del vuoto adolescenziale (e non) di un’intera generazione. Sicuramente “povera” a livello registico, e un po’ ripetitiva, ma Korine riesce a farsi forte di questa povertà (in tutti i sensi) di soggetto e di questo loop narrativo, usandoli come arma per aumentare la sensazione di noia e vuoto nello spettatore. Da vedere, soprattutto per mandare in culo i distributori italiani de ‘sto cazzo, che con il sottotitolo (orripilante e fuorviante) di Una Vacanza Da Sballo lo volevano far passare per una delle solite Commedie adolescenziali all’Americana.
Tarantino in un folle e ironico omaggio al Western selvaggio degli Spaghetti-Western italiani (Django è film del 1966, diretto da Sergio Corbucci, tra l’altro con Franco Nero – che qui appare in un breve cameo – come protagonista). Tanto sangue, tante risate (epocale la cavalcata del Ku-Klux-Klan, interrotta sul più bello per farne vedere l’esilarante antefatto), un po’ troppo eccesso (tipico del buon Quentin, ma che non ho mai apprezzato quando gli sfugge di mano) nel finale: fino a quel momento, Django Unchained mi aveva ricordato la grazia dei Coen (irraggiungibile), ma che Tarantino sarebbe senza una “Tarantinata”?
Ed ecco qua l’unico film della Stagione a non aver una propria recensione. E me ne vergogno profondamente, perché l’ultima fatica di Kim è (pur non al livello dei meravigliosi Primavera, Estate, Autunno, Inverno… E Ancora Primavera e Ferro 3 – La Casa Vuota) una struggente lirica sulla morte, e sull’Amore di una madre per il figlio (gli straordinari Cho Min-Soo e Lee Jung-Jin). Inizialmente la sua poetica Cinematografica, fatta di “sovrumani silenzi” di Leopardiana memoria, non mi aveva convinto troppo, visto l’estremo e crudo realismo in cui si ambienta la vicenda, ma alla lunga il valore artistico di un tale Autore emerge sempre: un altro grande centro della Mostra Veneziana, che ormai da 3 anni assegna in maniera esemplare il suo maggior riconoscimento (Leone D’Oro).
Quest’ultimo lavoro del buon Luhrmann è stato stroncato da molti, cosa che ad oggi non capisco: sembra a me, difatti, che la vicenda narrata da Fitzgerald sia perfetta per essere portata sugli schermi con i modi e lo stile di Baz, così luccicanti e plasticosi (ai limiti del trash), esattamente come lo è la società descritta nel cartaceo. Con una grande colonna sonora contemporanea, scenografie immensamente kitch, e un Attore (Di Caprio) che in questa Stagione ha tirato fuori una doppietta clamorosa (oltre a questo, anche Django Unchained), Il Grande Gastby entra di diritto nella mia personale TOP10.
Prendete la solita favola intellettual-radical-chic-iper-colorata di Wes Anderson, un cast stellare (Bruce Willis, Frances McDormand, Edward Norton, Tilda Swinton…) con i suoi attori feticci (Bill Murray), due protagonisti strepitosamente accattivanti. Ci siete? Bene, ora aggiungete Cuore e Genuinità, un’ironia meravigliosamente paradossale (la recita “L’arca di Noè” annullata per diluvio: genio allo stato puro!), e 
Dopo che la scorsa Stagione il suo This Must Be The Place era finito ad ingrossare le fila del Fondo Del Barile, tanto deludente da diventare addirittura il simbolo della “Delusione D’Autore” nel mio personale 
Cinemalato 