Siamo negli Stati Uniti, in piena guerra fredda. Elisa, una donna di mezza età affetta da mutismo, vive in un angusto appartamento che ha arredato come una piccolo regno magico: ha un amico nel vicino di casa, un pittore gay con il quale condivide la passione per il Cinema muto. Elisa, inoltre, lavora come addetta alle pulizie all’interno di un centro di ricerca governativo: un giorno, nel laboratorio, fa la sua comparsa un essere incredibile, metà uomo e metà pesce, che attira subito l’attenzione della donna…
Guillermo Del Toro (soprannominato affettuosamente “CiccioMessico” dal sottoscritto) è sempre stato un favorito, qui in casa Cinemalato: nonostante lo sciatto Crimson Peak di qualche Stagione fa, mi è impossibile non volere bene (artisticamente parlando) all’ideatore de Il Labirinto Del Fauno, nonché colui che stava dietro alla maggior parte del primo Lo Hobbit (e che, se fosse stato libero di procedere, avrebbe reso la saga un altro cult del genere).
Quando, dunque, ho saputo che il suo ultimo lavoro aveva vinto il Leone D’Oro a Venezia, ho subito pensato che CiccioMessico avesse nuovamente tirato fuori il coniglio dal polveroso cilindro: quando, invece, il ragazzo si è portato a casa il Golden Globe per la Miglior Regia e ha ricevuto tredici nomination agli Oscar, ho iniziato a temere di trovarmi di fronte ad un prodotto corretto, ma “americano”.
Fortunatamente non è questo il caso, perlomeno non con la temuta gravità. La Forma Dell’Acqua – The Shape Of Water è una favola dall’impianto narrativo classico, dai tocchi registici talvolta lievemente derivativi da certo Cinema fantastico-surreale (Il Favoloso Mondo Di Amélie su tutti), ma con una sua forte identità DelToriana che mette in secondo piano gli echi stilistico-strutturali.
La realtà insudiciata e l’evasione monda si intrecciano costantemente, come in un valzer: alla polvere e alla vetustà dell’appartamento di Elisa, si contrappongono le surreali forme curvilinee del suo arredamento; alla leggerezza romantica della donna nel suo sognare un musicale tip-tap si contrappongono le sue deprimenti e meccaniche masturbazioni; alla delicatezza della storia d’amore, si contrappongono la violenza dell’omofobia e del razzismo, nonché il rosso carminio del sangue (che inonda lo schermo più volte). L’antinomia più forte, però, è quella tra parola e gesto: all’interno del film, le parole sono costantemente menzognere, deboli o violente, e creano ostacoli che complicano la vicenda; i gesti, al contrario, sono sinceri e risolutivi, capaci di generare amore o di salvare vite.
Il silenzioso sentimento che si instaura tra i due muti protagonisti della pellicola è costantemente segnato dalla presenza dell’acqua, fin da quella nella quale bollono le uova sode, primo motore dell’intera vicenda. Ed è un progressivo detergersi dell’acqua e nell’acqua: dallo squallore iniziale di una vasca sporca (di sangue e di solitudine), si passa all’inondazione di un’intera stanza che diventa pioggia d’amore per le persone circostanti, fino alla metamorfosi acquatica del lieto fine (dove le ferite dell’esclusione terrestre diventano branchia e lasciapassare per una nuova inclusione nell’acqua).
Al netto di alcuni momenti meno felici (la scena pre-finale del ballo in bianco e nero, un po’ leziosa e telefonata – anche se, rispetto ad un La La Land, molto meno tirata per le lunghe e dunque più facilmente digeribile; il finale, in generale un po’ affrettato nella sua rocambolesca risoluzione), la coerenza stilistico-tematica di La Forma Dell’Acqua – The Shape Of Water, nonché il suo cast eccellente (oltre ai soliti ottimi Shannon e Doug, si segnalano il delicato pittore di Richard Jenkins e la strepitosa Elisa di Sally Hawkins – di una delicatezza e risolutezza commoventi), ne fanno un titolo imperdibile per la Stagione in corso, un gioiellino di fiaba che riesce a far sognare ed emozionare senza zuccheri aggiunti né forzature: e riuscire, oggi, a concepire una favola (uno dei più antichi generi narrativi) che non sia piatta o scontata, non è impresa affatto facile.
MOVIEQUOTE
Quando mi guarda, lui non vede quello che mi manca o quanto io sia incompleta.
Dall’Italia con furore, Tornatore torna (…) sui maxi-schermi con un thriller/romance dalle atmosfere (e ambientazioni) europee. Gran ritmo e ottima costruzione della vicenda (e dei personaggi), in grado di appassionare lo spettatore e anche di farlo (un minimo) riflettere sul valore dell’arte, ma anche sulla sua (a volte) incredibile ambiguità. Rush strepitoso, il resto del cast non è da meno: se non fosse che si perde un po’ nel finale, troppo lungo/telefonato, avrebbe potuto sperare in una piazza più alta.
Una pellicola di un vuoto allucinante, perfetta per parlare del vuoto adolescenziale (e non) di un’intera generazione. Sicuramente “povera” a livello registico, e un po’ ripetitiva, ma Korine riesce a farsi forte di questa povertà (in tutti i sensi) di soggetto e di questo loop narrativo, usandoli come arma per aumentare la sensazione di noia e vuoto nello spettatore. Da vedere, soprattutto per mandare in culo i distributori italiani de ‘sto cazzo, che con il sottotitolo (orripilante e fuorviante) di Una Vacanza Da Sballo lo volevano far passare per una delle solite Commedie adolescenziali all’Americana.
Tarantino in un folle e ironico omaggio al Western selvaggio degli Spaghetti-Western italiani (Django è film del 1966, diretto da Sergio Corbucci, tra l’altro con Franco Nero – che qui appare in un breve cameo – come protagonista). Tanto sangue, tante risate (epocale la cavalcata del Ku-Klux-Klan, interrotta sul più bello per farne vedere l’esilarante antefatto), un po’ troppo eccesso (tipico del buon Quentin, ma che non ho mai apprezzato quando gli sfugge di mano) nel finale: fino a quel momento, Django Unchained mi aveva ricordato la grazia dei Coen (irraggiungibile), ma che Tarantino sarebbe senza una “Tarantinata”?
Ed ecco qua l’unico film della Stagione a non aver una propria recensione. E me ne vergogno profondamente, perché l’ultima fatica di Kim è (pur non al livello dei meravigliosi Primavera, Estate, Autunno, Inverno… E Ancora Primavera e Ferro 3 – La Casa Vuota) una struggente lirica sulla morte, e sull’Amore di una madre per il figlio (gli straordinari Cho Min-Soo e Lee Jung-Jin). Inizialmente la sua poetica Cinematografica, fatta di “sovrumani silenzi” di Leopardiana memoria, non mi aveva convinto troppo, visto l’estremo e crudo realismo in cui si ambienta la vicenda, ma alla lunga il valore artistico di un tale Autore emerge sempre: un altro grande centro della Mostra Veneziana, che ormai da 3 anni assegna in maniera esemplare il suo maggior riconoscimento (Leone D’Oro).
Quest’ultimo lavoro del buon Luhrmann è stato stroncato da molti, cosa che ad oggi non capisco: sembra a me, difatti, che la vicenda narrata da Fitzgerald sia perfetta per essere portata sugli schermi con i modi e lo stile di Baz, così luccicanti e plasticosi (ai limiti del trash), esattamente come lo è la società descritta nel cartaceo. Con una grande colonna sonora contemporanea, scenografie immensamente kitch, e un Attore (Di Caprio) che in questa Stagione ha tirato fuori una doppietta clamorosa (oltre a questo, anche Django Unchained), Il Grande Gastby entra di diritto nella mia personale TOP10.
Prendete la solita favola intellettual-radical-chic-iper-colorata di Wes Anderson, un cast stellare (Bruce Willis, Frances McDormand, Edward Norton, Tilda Swinton…) con i suoi attori feticci (Bill Murray), due protagonisti strepitosamente accattivanti. Ci siete? Bene, ora aggiungete Cuore e Genuinità, un’ironia meravigliosamente paradossale (la recita “L’arca di Noè” annullata per diluvio: genio allo stato puro!), e 
Dopo che la scorsa Stagione il suo This Must Be The Place era finito ad ingrossare le fila del Fondo Del Barile, tanto deludente da diventare addirittura il simbolo della “Delusione D’Autore” nel mio personale 
Cogan è un film che parla di un vuoto, e come tale è esso stesso vuoto. Rispetto ad altri titoli, però (Somewhere, o – per restare nella Stagione – Spring Breakers), è decisamente più noioso, o comunque meno coinvolgente/potente. Non per tutti i palati (senza alcun snobismo). Ottima la gestione del cast, con Pitt e il suo personaggio che non sovrastano gli altri attori.
Un film grottesco, che grottesco però non è se non nel finale. Ed è sostanzialmente la conclusione della vicenda a risollevare un po’ le sorti di È Stato Il Figlio, fino a quel punto commedia poco divertente, con personaggi non sempre realizzati in maniera felice. Ottimo cast, su cui spiccano il solito Toni Servillo e l’inquietantissima Nonna Rosa/Aurora Quattrocchi.
Se dovessi trovare un motivo per cui Side Effects si trova in panchina, direi sostanzialmente perchè “è il solito thriller”, perchè per il resto la storia è ben architettata, i colpi di scena in parte notevoli, il cast intelligentemente piazzato e sfruttato (compreso il muscoloso e inespressivo Channing Tatum). Diciamo che come film non “rimane” (sto parlando come la Ventura ad X Factor, e questa cosa è preoccupante).
La Commedia di Paolo Genovese non è purtroppo riuscita ad entrare in “Top20“. Lo dico perchè, come l’anno scorso Warrior, Una Famiglia Perfetta è il mio #21 della Stagione: sicuramente c’entra il mio amore per il genere, troppo spesso recentemente bistrattato dai Cinepanettonari (& Co.) Italiani, che dunque fa salire le quotazioni di una pellicola scritta in maniera decisamente più intelligente e “coinvolgente”. Peccato che in alcuni momenti il montaggio faccia acqua, e il personaggio di Francesca Neri appaia totalmente casuale: alla fine non sono riuscito a non tenerne di conto.
“Stranamente” il nuovo film di Paul Thomas Anderson è registicamente imponente e impressionante (non nel senso “Cameroniano” del termine); “stranamente” il nuovo lavoro del regista americano presenta un cast favoloso, dove il protagonista (Joaquin Phoenix) recita da Dio (e anche il suo co-protagonista, Seymour Hoffman, non sfigura affatto); “stranamente”, come già accaduto con Magnolia, non ho capito manco per un secondo dove volesse andare a parare la storia (e quando l’ho capito avrei preferito non averlo fatto). Siamo alle solite: sicuramente sarà un mio limite, ma difficilmente le vicende narrate dal buon PTA sanno colpirmi positivamente.
Sostanzialmente questa pellicola è la solita Commedia Romantica made in U.S.A. trita e ritrita, perlomeno a livello di personaggi, vicenda e finti finali con “colpi di scena” riparatori. Però, un po’ per gli attori (Meryl Streep, Tommy Lee Jones, Steve Carell), un po’ per la “serietà” con cui Frankel (già regista de Il Diavolo Veste Prada) gestisce le atmosfere del suo nuovo film, ecco che alla fine Il Matrimonio Che Vorrei si rivela una visione piacevolmente sincera, immeritevole del “Fondo Del Barile“.
Les Misérables è il classico Musical: musiche coinvolgenti (con due-tre cavalli di battaglia per i singoli attori/star del cast), atmosfera teatrale-patetica, scenografie di indubbia spettacolarità. Come piccolo “pro” aggiuntivo c’è da segnalare le ottime prove di Anne Hathaway (premiata con l’Oscar) e Russel Crowe (sorpresa, sorpresa!): come piccolo “contro” l’odio profondo che la pellicola mi ha instillato nei confronti dei “buoni” (che goduta quando il bambino biondo muore!). All in all, it’s just another 
Kosinski si era già segnalato per la sorpresa Tron Legacy (film visto una sera di ordinaria noia su Sky, rivelatosi un’ottima pellicola di intrattenimento con tanto di colonnone sonoro firmato Daft Punk), e con Oblivion si conferma in parte. Alcune cose del suo nuovo lavoro, soprattutto nella distesa parte iniziale, funzionano e anche bene (supportate dal duetto fra il mestierante Cruise e l’ottima Riseborough): purtroppo ci si perde in un finale-americanata notevole, che rende Oblivion il “solito film d’Intrattenimento”, facendogli perdere un po’ quello smalto mostrato all’inizio. Attendo comunque fiducioso la prova del 9 con la prossima pellicola.
Alla voce del dizionario Italiano-Inglese/Inglese-Italiano di Zanichelli, se si cerca “Tempo” e si scorre fino all’espressione “fuori T. massimo“, si scopre che la corretta traduzione anglosassone per tale frase fatta è “On The Road by Walter Salles”. Devo dire che il signor Zanichelli non ha assolutamente tutti i torti: un film tratto dall’omonimo libro del 1957 (che più di ogni altro parla e descrive degli anni ’50), girato nei ’10 dei 2000, dopo che una miriade di altre pellicole ci hanno già illuminato in maniera più o meno ampia su tale periodo. Direi che più “fuori T. massimo” di così si muore.
Com’era da prevedersi, il primo incontro con il famoso Bond, James Bond non è stato dei più memorabili. Sicuramente non sono neanche andato a scegliermi uno dei capitoli più famosi/appetibili, ma confidavo in minima parte nel nome che sta dietro la cinepresa (Sam Mendes: American Beauty): ho sempre più l’impressione, tuttavia, che il buon Mendes sia più quello di Revolutionary Road che non del Capolavoro datato 1999…
Una pellicola di un autore esordiente, con tutte le imperfezioni dell’Opera Prima e dell’immaturità “Cinematografica”. Un ottimo cast, ben diretto dal giovane regista, su cui spiccano Giorgio Colangeli e Roberta Caronia e un’ottima Colonna Sonora fanno da supporto ad una sceneggiatura che soffre di alcuni cali, di alcune debolezze/ingenuità narrative, ma che comunque non si sfalda mai. Sicuramente non un Capolavoro, ma una solida base/punto di partenza per il futuro.
Benvenuti, lor signori, alla sagra del “Premio a casaccio”! L’ultima fatica della regista (unica donna Premio Oscar per The Hurt Locker) è un film “in fieri” per tutta la prima parte, dove tantissime tematiche vengono accennate ma non approfondite, per poi mutarsi in una bomba al cloroformio nella seconda sezione, quella pseudo-Documentaristica. Ma comunque, che ce frega? Golden Globe come Miglior Attrice Drammatica alla Chastain (perchè è gnocca e algida, e in una scena sbrocca alla grande! Brava Jessica!), ottocento nomine a caso agli Oscar (Miglior Sceneggiatura! Alè alè!) e Critica in visibilio! Questo ed altro ancora alla sagra del “Premio a casaccio”, dal 31 Luglio a Poggibonsi alta!
Cinemalato 