1988. La piccola cittadina di Derry è sconvolta da una serie di inspiegabili sparizioni, che coinvolgono esclusivamente giovani ragazzi e bambini. Tra questi anche Georgie, il fratellino più piccolo del balbuziente Bill: insieme ai suoi amici “sfigati” (Richie, Stan, Ben, Eddie, Mike e la bella Beverly), Bill comincerà ad indagare sui misteriosi avvenimenti, scoprendo una realtà che va ben al di là di ogni immaginazione, e che forgerà il carattere dei sette ragazzini così come la loro amicizia.
A distanza di 27 anni dal celeberrimo film per la televisione It (nel quale i panni del clown “danzante” erano indossati dall’eccellente Tim Curry, in una delle sue performance attoriali più iconiche), tornano le avventure del pagliaccio mostruoso e dei ragazzini sfigati di Derry. Francamente a vedere chi fosse il nome dietro la macchina da presa c’era da tremare: Andrés Muschietti, autore del terribile pastrocchio noto come La Madre nella lontana Stagione 2012/2013.
Eppure questo nuovo It è decisamente ben realizzato e convincente, una delle maggiori sorprese che questa Stagione probabilmente mi riserverà.
Il cast è anzitutto ottimamente selezionato. La compagine dei “lucky seven” è interpretata con piglio, credibilità e fascino nostalgico dai giovani attori che ne incarnano i componenti (uno di loro, Finn Wolfhard, è – non a caso – uno dei protagonisti dell’altrettanto nostalgico e “revival”eggiante Stranger Things): segnalo, oltre a Wolfhard, anche il balbuziente Bill di Jaeden Lieberher e il cuore grassoccio del Ben di Jeremy Ray. Forse, paradossalmente, il meno convincente di tutti è il buon Bill Skarsgard/Pennywise: in parte per una certa somiglianza di espressioni con il Joker di Heath Ledger (ah, quanta influenza hai avuto nelle figure dei “villains” cinematografici, Heath mio…), in parte per un’eredità francamente mostruosa da gestire (Tim Curry, come già detto, è un’icona anche grazie a questo film).
Le atmosfere e le scelte visive, poi, sono altrettanto valide, in bell’equilibrio tra omaggio rispettoso (la scena ormai culto del tombino), rifacimento ammodernato (la sequenza dell’album fotografico trasformata in un proiettore di diapositive impazzito, con un meraviglioso squarcio della pellicola da parte di un It gigantesco, gommoso e spaventoso) e totale innovazione (l’inseguimento in biblioteca tra il decapitato It e Ben). Tutti i limiti del precedente film sono qui divenuti pregi: Muschietti stavolta gioca molto bene sui cliché e sul materiale originale, mixando anche efficacemente le venature horror con quadri di stupore puramente fantastico.
Viene inoltre dedicato, a livello di script, molto più spazio alle personalità dei bambini (pur se non di tutti, ad onor del vero) e al rapporto amoroso tra Ben, Beverly e Bill: la dotazione di un incrementato background fa sì che lo spettatore si interessi maggiormente alle disavventure che i nostri sono costretti a vivere, e che la tensione nell’ottima sequenza fognaria sia alle stelle (ci sentiamo, insomma, parte integrante di questo magnifico gruppo di amici, che forse ci ricorda terribilmente un’infanzia perduta o mai vissuta). Un plauso, dunque, anche agli sceneggiatori Chase Palmer, Cary Fukunaga e Gary Dauberman.
It è, insomma, un ottimo esempio di un trend recentemente molto di moda: la revitalizzazione degli anni ’80. Lo fa con giocosità, con credibilità e con un valido equilibrio tra horror e fantasy (seppur non sia esente da difetti, come le succitate mancanze di approfondimento psicologico e una paradossale debolezza nella performance centrale del film – che però, si noti bene, non è centrale come nell’originale televisivo). Applausi e valutazione più che positiva (con potenzialità di crescendo) in attesa di poter ammirare una (si spera e si crede) più che degna conclusione durante la prossima Stagione.
MOVIEQUOTE
Julieta è il solito melodramma alla Almodòvar: tragiche morti, espressioni al limite del grottesco e pianti alla greca sono le tre principali caratteristiche di una vicenda quasi esclusivamente femminile, fatta di complicatissimi rapporti familiari e tentativi di psicanalisi. Nonostante un pessimo finale, la vicenda è scritta in maniera sufficientemente efficace, ci sono alcune sequenze davvero ispirate (il treno), e la bravura degli interpreti dona quel quid in più per aggiudicarsi (seppur di pochissimo) la “Top20”.
La pellicola di Scott Cooper sarebbe potuta essere molto di più: l’interessante rapporto che lega i due personaggi principali (un poliziotto che favorisce i criminali per un sincero slancio di riconoscenza) e la personalità di questo “Whitey” Bulger (che non sembra davvero cattivo, solo moralmente distorto) danno un tocco in più ad una banale vicenda di gangster, ma non sono sufficientemente approfonditi per far davvero spiccare il volo all’intero film. Plauso a Johnny Depp, che si libera dei fantasmi eccentrici di Jack Sparrow e mette nuovamente a segno (alleluia!) una valida performance.
Tom Hooper prende una vicenda interessantissima come quella del primo transessuale accertato della storia e ne ricava un perfetto biopic classicheggiante: purtroppo la pellicola è sin troppo lunga, e lo script che la sorregge perde colpi in maniera incredibile nella seconda metà (incredibile che manchino le idee con un personaggio tanto complesso da raccontare!), per poi chiudere in maniera quasi ridicola su un paio di scene melense e ricche di terribili frasi ad effetto. Plauso ai due attori protagonisti, davvero intensi.
L’opus #8 di Quentin Tarantino è uno strano riciclaggio (quasi come se mancassero le idee) di pellicole precedenti (Le Iene, Django Unchained) dalla durata eccessiva (venti-trenta minuti meno non avrebbero guastato), con in più una moralina anti-razzista di fondo che produce l’effetto opposto a quello che dovrebbe nelle intenzioni del regista-sceneggiatore (facendoti odiare il comandante negro Warren, per il quale dovresti fare il tifo nella sua rivincita contro i bianchi). Ad ogni modo, un grande cast in pallissima e le solite validissime sequenze pulp portano agilmente il film nella “Top20”.
Laddove Charlie Kaufman ha sempre eccelso (l’originalità delle pellicole), Anomalisa fallisce: questo non sarebbe assolutamente un male – alla fin dei conti un film realistico non è necessariamente peggiore di uno più originale, tutt’altro! – ma la nuova pellicola del geniale sceneggiatore sembra un po’ fine a sé stessa a livello di tematica morale, e presenta un finale debole e affrettato. Tuttavia le commoventi animazioni, i dialoghi perfettamente centellinati e la dolcissima sequenza della notte d’amore tra Michael e Lisa valgono da sole il prezzo del biglietto.
Il film indie dell’annuale serata degli Oscar, Room presenta un’idea di base davvero accattivante e particolare, che porta in effetti ad una prima metà ottimamente realizzata sotto ogni punto di vista ed estremamente poetica. Peccato solo che la pellicola prenda nella seconda metà una direzione che personalmente non ho apprezzato molto (quella del rientro di madre e figlio nel mondo reale) e che trovo non sia neppure realizzata bene quanto la prima metà. Altra grande coppia di attori protagonisti, ai quali va il mio personale plauso.
J.J. Abrams prende la saga cinematografica più famosa di tutti i tempi e opta per un reboot nel segno del classico (molti hanno lamentato somiglianze con l’episodio IV, come se questo fosse effettivamente un male – non si tratta di pigro riutilizzo, ma di rivisitazione moderna del classico) con alcuni tocchi di moderna drammaticità (il cattivo Kylo-Ren, profondamente dilaniato e per questo più debole della protagonista – a mio avviso, una scelta veramente interessante). Peccato solo per alcuni mancati approfondimenti (soprattutto sul passato della protagonista e sul personaggio del pilota), ma confido che saremo soddisfatti in tal senso dai prossimi episodi.
Un arrivo in ritardo per la distribuzione italiana (il primo di due che si troveranno all’interno di questa Classifica), Love & Mercy è un efficace biopic sulla vita di Brian Wilson e sulla sua straordinaria capacità di fare musica: forse la pellicola necessitava di qualche minuto in più per approfondire meglio alcune tematiche (come il rapporto tra Wilson e il dottor Landy), ma le due storie narrate (quella della creazione di Pet Sounds e quella della relazione salvifica fra Brian e Melinda) sono efficacemente strutturate, presentano alcune sequenze davvero commoventi e possono contare sull’interpretazione di tre attori (Dano, Cusack e la Banks) davvero in grande spolvero.
Nonostante mi sia un po’ scaduta con il tempo (forse anche a causa del riconoscimento come Miglior Film agli ultimi David Di Donatello, sinceramente eccessivo), l’ultima commedia di Paolo Genovese rispetta quelli che sono gli standard del regista: film meno stupidi di quanto il genere ci abbia abituato a vedere in Italia, che sanno far ridere ma tentano anche di far riflettere (amaramente) tra una risata e l’altra. Coadiuvato da un cast di tutto rispetto che incarna alla perfezione i protagonisti della vicenda, Perfetti Sconosciuti riflette efficacemente su un microcosmo fatto di apparente serenità, che in realtà nasconde segreti inconfessabili anche per coloro che dovrebbero essere i nostri più stretti confidenti.
Cinemalato 