Siamo negli Stati Uniti, in piena guerra fredda. Elisa, una donna di mezza età affetta da mutismo, vive in un angusto appartamento che ha arredato come una piccolo regno magico: ha un amico nel vicino di casa, un pittore gay con il quale condivide la passione per il Cinema muto. Elisa, inoltre, lavora come addetta alle pulizie all’interno di un centro di ricerca governativo: un giorno, nel laboratorio, fa la sua comparsa un essere incredibile, metà uomo e metà pesce, che attira subito l’attenzione della donna…
Guillermo Del Toro (soprannominato affettuosamente “CiccioMessico” dal sottoscritto) è sempre stato un favorito, qui in casa Cinemalato: nonostante lo sciatto Crimson Peak di qualche Stagione fa, mi è impossibile non volere bene (artisticamente parlando) all’ideatore de Il Labirinto Del Fauno, nonché colui che stava dietro alla maggior parte del primo Lo Hobbit (e che, se fosse stato libero di procedere, avrebbe reso la saga un altro cult del genere).
Quando, dunque, ho saputo che il suo ultimo lavoro aveva vinto il Leone D’Oro a Venezia, ho subito pensato che CiccioMessico avesse nuovamente tirato fuori il coniglio dal polveroso cilindro: quando, invece, il ragazzo si è portato a casa il Golden Globe per la Miglior Regia e ha ricevuto tredici nomination agli Oscar, ho iniziato a temere di trovarmi di fronte ad un prodotto corretto, ma “americano”.
Fortunatamente non è questo il caso, perlomeno non con la temuta gravità. La Forma Dell’Acqua – The Shape Of Water è una favola dall’impianto narrativo classico, dai tocchi registici talvolta lievemente derivativi da certo Cinema fantastico-surreale (Il Favoloso Mondo Di Amélie su tutti), ma con una sua forte identità DelToriana che mette in secondo piano gli echi stilistico-strutturali.
La realtà insudiciata e l’evasione monda si intrecciano costantemente, come in un valzer: alla polvere e alla vetustà dell’appartamento di Elisa, si contrappongono le surreali forme curvilinee del suo arredamento; alla leggerezza romantica della donna nel suo sognare un musicale tip-tap si contrappongono le sue deprimenti e meccaniche masturbazioni; alla delicatezza della storia d’amore, si contrappongono la violenza dell’omofobia e del razzismo, nonché il rosso carminio del sangue (che inonda lo schermo più volte). L’antinomia più forte, però, è quella tra parola e gesto: all’interno del film, le parole sono costantemente menzognere, deboli o violente, e creano ostacoli che complicano la vicenda; i gesti, al contrario, sono sinceri e risolutivi, capaci di generare amore o di salvare vite.
Il silenzioso sentimento che si instaura tra i due muti protagonisti della pellicola è costantemente segnato dalla presenza dell’acqua, fin da quella nella quale bollono le uova sode, primo motore dell’intera vicenda. Ed è un progressivo detergersi dell’acqua e nell’acqua: dallo squallore iniziale di una vasca sporca (di sangue e di solitudine), si passa all’inondazione di un’intera stanza che diventa pioggia d’amore per le persone circostanti, fino alla metamorfosi acquatica del lieto fine (dove le ferite dell’esclusione terrestre diventano branchia e lasciapassare per una nuova inclusione nell’acqua).
Al netto di alcuni momenti meno felici (la scena pre-finale del ballo in bianco e nero, un po’ leziosa e telefonata – anche se, rispetto ad un La La Land, molto meno tirata per le lunghe e dunque più facilmente digeribile; il finale, in generale un po’ affrettato nella sua rocambolesca risoluzione), la coerenza stilistico-tematica di La Forma Dell’Acqua – The Shape Of Water, nonché il suo cast eccellente (oltre ai soliti ottimi Shannon e Doug, si segnalano il delicato pittore di Richard Jenkins e la strepitosa Elisa di Sally Hawkins – di una delicatezza e risolutezza commoventi), ne fanno un titolo imperdibile per la Stagione in corso, un gioiellino di fiaba che riesce a far sognare ed emozionare senza zuccheri aggiunti né forzature: e riuscire, oggi, a concepire una favola (uno dei più antichi generi narrativi) che non sia piatta o scontata, non è impresa affatto facile.
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Quando mi guarda, lui non vede quello che mi manca o quanto io sia incompleta.
Quello che mi ha stupito di La Teoria Del Tutto è il fatto che la pellicola sia molto più incentrata sul personale di Hawking (e coinvolga molto la figura della moglie, Sally), andando a risultare più coinvolgente di quanto non avessi pensato. Tuttavia avrei gradito un maggior approfondimento della vicenda scientifica del protagonista – uscire dal cinema pensando ancora a Hawking come a “quello in carrozzina che appare nei Simpson con la voce robotica” non è il massimo. Si aggiunga che la costruzione è banalissima, vista e stravista in qualunque biopica all’americana, ed ecco spiegato il piazzamento.
In perfetta antitesi al film di Marsh, The Imitation Game ci spiega benissimo chi fosse il professor Alan Turing, e quale sia stata la sua importanza nell’occasione della seconda guerra mondiale/per la scienza tutta. Anche qui, avrei però gradito un occhio di maggior riguardo alla parte privata/sentimentale della figura di Turing: dopotutto, il suo essere omosessuale è ciò che lo portò ad essere condannato e a suicidarsi, e sarebbe stato interessante dare una lettura più approfondita allo strano personaggio di Joan Clarke/Keira Knightley, invece di rimanere in superficie e lasciare molto in sospeso.
Il Nome Del Figlio è una buona commedia di attori, ottimamente recitata da un valido cast (su cui spiccano un ritrovato Alessandro Gassman e lo stralunato Rocco Papaleo), con un paio di sequenze genuinamente commoventi. In linea di massima non si discosta molto dal cosiddetto “film d’attori”: buoni dialoghi senza troppo genio, impianto teatrale (una-due location e vicenda circoscritta a qualche ora di una serata tra amici), regia talmente invisibile da essere quasi inesistente. Non male, ma certo non siamo neppure lontanamente dalle parti di Venere In Pelliccia.
Blackhat è un film schizofrenico: parte come un normalissimo thriller d’azione americano, ben strutturato e profondamente realistico. Proprio quando mi iniziavo ad annotare mentalmente la quasi totale mancanza di empatia con i personaggi/di emozione alcuna, ecco che (a 3/4 buoni dall’inizio della pellicola) assistiamo ad un crescendo emotivo e ad un colpo di scena a dir poco esplosivo, che mi hanno lasciato a bocca aperta. Arriva però il quarto finale di film a rovinare tutto: oltre ad una spiegazione davvero mencia per l’intrigo fino ad allora svelato, vediamo il cattivone del film (deludentissimo: un trippone medio-americano in camicia hawaiana) morire in una sequenza iper-coreografata/scenografata che ricorda più un Kill Bill venuto male, che non ciò che i primi 3/4 di pellicola lasciassero prevedere. Confuso ed infelice.
La biografia del buon Giacomo Leopardi, firmata Mario Martone ed interpretata dal sempre efficace Elio Germano, avrebbe anche dei buoni momenti: le avventure onirico-grottesche di una Napoli dai sapori quasi felliniani, e la quasi sovrannaturale conclusione sui versi de La Ginestra, sono efficaci nel coniugare racconto biografico e magia poetica. Tuttavia, il film ha una prima parta costruita in maniera davvero blanda (se non altro rispetto alla magica seconda metà), con sprazzi di stupidità radical-chic nelle declamazioni ad alta voce del giovane Leopardi, e con momenti non troppo interessanti/approfonditi nell’incontro con Fanny. Un’occasione sfruttata solo a metà, insomma.
So già che mi attrarrò critiche devastanti per aver messo la “Love Story del 2014” in Top20, ma bisogna essere onesti: per quanto sia un film sentimentale tra due giovani adolescenti, Colpa Delle Stelle non è per niente stupido nè melenso (salvo nel finale, ma uno scivolone glielo riesco anche a concedere). L’ottimo duo di protagonisti (Shailene Woodley e Ansel Elgort) regge due personaggi credibili e fragili, che sanno commuovere senza scadere in stupidi pietismi (nonostante la tematica di fondo). Certo, alla fine è solo una “Love Story”, ma sicuramente ben realizzata.
Il Pupi nazionale riesce finalmente a commuovermi un pochino, con un film in super-sordina, che fa del suo essere mencio e grigio il proprio punto di forza. In quella che mi sembra una pseudo-biografia del regista bolognese, emerge forte la paura della mediocrità, il forte legame con il passato (nostalgico, ma anche capace di portare a grandi risultati nel presente), e un’insolita tensione drammatica nella pazzia del protagonista (uno Scamarcio alla sua miglior prestazione di sempre). Applausi, per una volta.
Si chiude la trilogia del buon Bilbo Baggins, su una nota lievemente superiore alla precedente, ma purtroppo certamente non al livello del sorprendente primo capitolo. Nonostante una bella battaglia finale, preparata con un ottimo e tensivo climax, quell’interessante spunto sulla “grandezza delle piccole cose” di Un Viaggio Inaspettato si è persa per la via, lasciando il posto ad una talvolta inadeguata epicità: e in tal senso, Lord Of The Rings è destinato a rimanere su un altro livello e su un diverso pianeta.
Premendo fortemente il tasto della comicità e dell’ironia, Gunn porta a segno un ottimo film di supereroi che, non prendendosi sul serio, sa regalare momenti davvero originali per il genere (si pensi allo stupidissimo personaggio di Bautista o al tenerissimo finale con il germoglio di Groot che balla al ritmo dei Jackson 5). Le scene d’azione sono un po’ scontate, ma il ritmo è buono: manca, per il momento, un approfondimento dei personaggi (soprattutto il protagonista), che si suppone verrà rimandato in gran parte al prossimo episodio.
Cinemalato 